“La mejor película de terror del año” así se presentaba “Paranormal Activity”, les comento que si esto es así, estamos todos muy fregados. Igualmente tengamos en cuenta que este año no hubo grandes películas del genero que nos puedan deslumbrar. La historia se desarrolla mediante un falso documental filmado por Micah (Micah Sloat) (que justamente no canta), el prometido de Katie (Katie Featherstone).

Expliquemos algo: no es una gran joya del cine del terror, seguramente en unos años a todos se les olvida. Otra cosa a tener en cuenta es que en esta versión, porque hay una anterior del 2007, interviene nuestro fanático del cine, el señor: Steven Splielberg.

Si, como lo leyeron, esta película se estreno en realidad en el 2007, El señor S. la vio y se ilumino. Solamente retoco cosas mínimas, pero que si uno hace una comparación de la de este año queda muchísimo mejor parada que la otra. Para darse cuenta cual es cual, la diferencia viene en el color del documental; el del 2007 es verde cuando hacen la toma de nightshot y en el 2009, que se puede ver en el cine, es azul.

Vayamos a la historia: Kitie y Micah, una joven pareja que vive en una casa grande para albergar un montón de hijitos en su futuro, se mudaron no hace tanto pero últimamente empezaron a escuchar ruidos que no saben de a donde provienen. Ella confiesa que desde pequeña es propensa a ser perseguida por espíritus y si… así fue.

Un fantasma (y no el escritor) todas las noches provoca ruidos e incognitas a esta joven pareja que llega a recurrir a un señor que es psíquico, este huye despavorido dándole rápidamente el teléfono de un demonologo, así nos enteramos que la “cosa” ya estaba bastante podrida.

Los personajes también tienen que seguir con sus vidas: ella estudia o trata de estudiar mientras que se patea las ojeras, ya que no puede dormir hace muchas noches y su esposo/prometido pierde plata por internet. Esos malestares se agrandan, se magnifican con el clima enrarecido de la casa.

Toda la película tiene una seña particular: el machismo de Micah lo ciega y hace perderle varias veces le hilo de la situación. El piensa que no es un hombre sino que un superhéroe o algún ghostbuster que va a aplacar a la bestia que vive en su hogar, simplemente queda como un arrogante que no puede lidiar no solo con lo que vive sino con las opiniones de su mujer, que le aconseja bien, pero él hace lo contrario. Si, la culpa es de el por las situaciones que se desarrollan después de jugar un jueguito bastante complicado que necesita un tablero y todo el abecedario y los números.

Los protagonistas viven en la casa donde estan con el mismísimo espíritu de alguien que aparentemente en vida fue bastante malo y gustaba arrancar a las mujeres ajenas de sus camas.

Parece ser que los espectadores se sienten a gusto pensando que a ellos también les podría pasar... Ese es el secreto de tanto éxito.

Que universos retorcidos que crea Selick, demasiado para la mente de los niños y tolerable para los grandes.

… Coraline es una niña bastante curiosa, no es la excepción a los infantes. Con su impermeable amarillo recorre un camino y una ramita le indica donde hay un pozo con agua. Se para y escucha ruidos, es ahí donde se produce un gran encuentro. Coraline conoce a su contrafigura el que le regalara después de un par de horas una pequeña muñeca igual a ella, esta será la llave para entrar a un mundo de fantasías, por una pequeña puertita.

La dualidad de la película se ve no solo cuando recién comienza: le dicen un nombre que no es “Caroline” y ella los corrige, es algo que se repite varias veces. Pero en si esta película nos embriaga con el desdoblamiento en un mundo paralelo donde sus padres, en ese lugar de ojos tiene botones y son muy atentos aunque esconden un oscuro secreto.


Animada en Stop-motion, esta es su tercer creación mal clasificada como toda las anteriores; señores esto no es “para niños”. Aunque quizás Selick propone un dulce despertar al horror con este film que puede ser bastante perturbador, pero para pequeños que van a la casa de los tíos sin sus padres no esta tan bueno.

Tiene una buena presentación de personajes; sus padres la descuidan y son maniáticos del trabajo, sus vecinos son los más locos encabezado por dos viejas solteronas que embalsaman todos sus perritos y un viejo acróbata, sin ningún problema se desarrolla todo con una exquisita dirección.

La clave será su amigo molesto que tiene un pequeño gato negro.

Esta muy bien adaptada de la creación de Neil Gaiman y con los toques personales de su director que cada año que saca una película renueva la imaginación de todos con su perspectiva para filmar y llevar a cabo sus ideas.

Es lejos lo mejor del año en cuanto animación aunque cuando llega al final decae un poco, pero no es para alarmarse por que la película es muy buena. Más para grandes que chicos.

Y a descubrir nuevos universos con Selick…


Es sin duda la película más cruel que vi en mi vida. Fue como un momento prolongado de cuando a Dorothy se le va el globo… o cuando Chatran (el gato) se mete en una caja en la inmensidad del río... así de sufrido, así que voy a escribir lo que pueda.

Chico conoce a chica, chico se enamora… chica…no.

Wow, que resumido, pero no es tan así, es algo más complejo. Tom (Joseph Gordon-Levitt, una mini versión de Heath Ledger ) tiene una aburrida vida donde su trabajo se centra en escribir tarjetas, un buen día conoce a la nueva secretaria de su jefe, Summer (Zooey Deschanel) . Lo atraviesa una flecha y ¡TAC! El amor se produce.

Toda esta crueldad da momentos de sonrisas, su montaje ecléctico y propuesto para saltar en el tiempo sin problemas. No molesta, no hace nada, solo va creando un clima, angustioso porque… uno nota que Tom se esfuerza por salvar algo que ella no. Mejor dicho, por darse cuenta que ella esta tan enamorada de él pero el trauma de “los padres divorciados” la lleva a la nada misma, solamente quererse a sí misma.

Entonces, tenemos un montaje rápido y con ritmo, a veces, por esto se suceden cosas con estilo propio del videoclip. Tengamos en cuenta que Marc Webb es director de videos y en este film se le nota mucho.

De una extraña forma algunos sucesos están plagados de connotaciones un tanto nerds.
Ver en un reflejo de un auto a Han Solo, no es normal. Los guiños con el espectador siguen; como por ejemplo cuando el protagonista mira a cámara, dandole no solo más cercanía sino que traspasando esa barrera que es la pantalla haciéndonos, de alguna manera, participes de su vida. Tom sabe que estamos ahí.

Lo que me llamo la atención es que, en la mitad de la película, en la mitad del amor, en la mitad del regodeo hay un ¿musical? Bailan todos en una coreografía con una linda canción, pero esto no termina acá: hay un pájaro animado y totalmente celeste… (¿Twitter? Me pregunte cuando lo vi).

No se si es una buena película, o por medio de un montaje muy bueno son pequeños videos de una vida conyugal nefasta.

Para destacar es la BSO, IMPECABLE.
No me puedo quejar de eso, porque durante toda la película escuche solo buenas canciones.

Quizás no tiene grandes actuaciones, Joseph-Gordon Levitt está muy bien en su papel, pero ella fluctúa entre una chica callada e inteligente con una sin corazón pero bastante tonta. Su descripción es algo parecida a Amelie (inigualable). Hay partes muy parecidas a la película de nuestra amiga francesa; la historia, como está planteada, esa presentación de Summer como alguien que cuando toca algo le da buena suerte. Pero Amelie termina bien, 500 days of Summer termina mal, o como el espectador no quisiera y ni siquiera los protagonistas.

¿Quizás fue una suerte de decepción? Ojo, rescatemos que es una nueva mirada sobre el amor, siempre todas terminan con final feliz y este film no es que acabe mal, sino que es lo que no queríamos, aunque Tom nunca deja de tener en su mente el pensamiento de la predestinación.

Hay un momento en que la verdad surge… pero ya es demasiado tarde.

Si están enamorados, no la vean.



Originalmente publicada el 1/11/09 y republicada el 23/11/09



Bueno, acá esta la gran promesa "Alice in Wonderland". ¿Tim Burton hará que sonrriamos? No sé muy bie todavía, no dudo en lo más mínimo de el, pero es algo muy jugado. Espero que salga bien.
Por alguna extraña razón, un domingo a la tarde me puse a ver una película, un breve descanso después de estudiar historia del arte.

Pathology fue lo que elegí, una decisión incorrecta, desacertada.

La mano viene así: Tobby (Milo Ventimiglia) es introducido al hospital de la ciudad, como siempre están los estereotipos, el tontito amiguero, el loquito desquiciado, la que es más fácil que ganar algo en una tapita de coca-cola. En este sanatorio, todos estos muchachos están haciendo la residencia en la morgue, de la cual tienen total acceso. Tobby, con su novia de high-class (interprestada por Alissa Milano) y todos sus conocimientos se encuentra con cinco personajes que lo acopañaran en esta loca aventura de adrenalina. Estos doctorcitos lo llevaran por el mal
camino, que desembocara en un juego macabro que consiste matar a una persona y que los otros cuatro adivinen como. Uf! Pero que divertido che…

La verdad, una idea basada de alguna manera en lo que hacían dos enfermeras (Gwen Graham y Cathy Wood) mientras que jugaban a palabras cruzadas y mataban a ancianos en un hospital, pero estas de verdad. Nada original la visión que tuvo Marc Schoelermann sobre este tema.

No obstante, con este argumento todo empeora cuando vemos las actuaciones. La que hace de loca es una reventada muy reventada, y el que hace de desquiciado está ya muy fuera de su eje, el problema es que todos los personajes están en una calentura tan grande que en sus actuaciones se nota mucho, pero con cualquier, sea hombre, mujer, pato, reptil, no importa su procedencia.

Digamos que la dirección no le aporta algo al guión en cuanto a los planos, son todos muy básicos al principio hay una leve intervención con una cámara con poca cadencia, pero tampoco es para decir “ah, mira como le puso ganas al film”.

Hay problemas graves, por ejemplo: el montaje es paupérrimo. Sepamos que cada vez que una película no hay con que remontarla, siempre ponen escenas de sexo explicitas a más no podes (casi poniendo la cámara en algún útero). Esto pasa todo el tiempo, sin ningún motivo. Para colmo, a Milo Ventimiglia le tenemos que ver el trasero no sólo una vez sino algo así como cinco, muy poco entretenido tanto para la visual de una mujer como de un hombre.

No obstante hay muchos pechos, pechos y más pechitos.

En resumen; esto es como una bandita de médicos forenses calentones, precoces y un poco siniestros. No hay nada extraordinario para decir, porque simplemente no es una película que se resalte del resto.

Entonces, después de todo, me pregunto: ¿Porqué la vi? Si es como una patada en la frente.





¿Qué onda con esta película? Por lo que leí se estrena en la Argentina el 10 de diciembre, pero la gente esta muy entusiasmada con ella.
Vuelve el recurso Blair Witch! Pero bueno, no con una bruja, sino con unos fantasmitas. Esto me hace acordar a una gran film que me trauma desde chica "ente" se llamaba, alguien lo recuerda?
Parece que los que hicieron "paranormal activity" también.
En USA arraso con la taquilla.

Jeniffer’s Body salió de la cabeza de Diablo Cody, la guionista de Juno. El problema reside en lo siguiente: se descubrió la verdad, Juno le salió de casualidad.


Ya explayada esta cuestión pasare a dar mis pequeños fundamentos de por qué esta historia está narrada y pegada con hilos de caramelo que siempre están a punto de quebrarse. Esta todo más que bien con explorar la adolescencia adorable de pequeñas mujeres cínicas y nerds, pero… una está bien, dos no. La misma estructura; una freak que tiene una mejor amiga (carne y uña como se diría) muy top, muy fashion (Diablo, hace algo que no sea parecido a Juno).


El esquema es este: Una banda va a tocar al pueblo donde esta Needy (Amanda Seyfried) y Jennifer (Megan Fox), dos mejores amigas; obviamente una es la antítesis de la otra. Rubia vs morocha, tonta vs inteligente, uf… cuantos clichés, no voy a seguir por que la idea se entendió. El tema es que ellas van a ver a la banda, muy groopie Jen, después de un incendio en ese bar donde estaban se va con los muchachitos músicos y dejan a Needy sola.


¿Qué paso con Jen? Bueno, ahora come carne humana, sino se empieza a considerar fea y como dice “me siento una chica normal”. Ver a Megan Fox decir esto es un tanto paradójico, ya que si notamos las primeras veces en la gran pantalla cuando salió era una chica normal, ahora es un monstruo seductor y aprieta braguetas, bien, ¿no?


A ver, si haces de tarada y en tu vida real no sos muy viva que digamos… te va a salir bien ese papel, pero una tiene ilusiones que se las pinchas como un globo rojo.


Por alguna extraña razón, no sólo falla el guión (jajajaja, dije ¿guión?... nah, una junta de papeles) sino también la dirección. La señora Karyn Kusama tira unos planos que la gente se ve pequeñita, casi como hormigas. Está bien intentar crear un estilo, pero… por favor, basta de las panorámicas.


Tenemos a Megan Fox que ya en “Trasformers” le vimos hasta el útero, acá se cumple otra fantasía masculina: Si… ¡hay besos entre chicas! Caemos nuevamente en el foso de la mediocridad. Tengamos en cuenta que no vamos a salir más de ahí.


Jennifer’s Body, como se pudo apreciar me cayó muy mal, no solo por desilusionarme al ver que a Diablo Coby le salió muy bien Juno, pero en esta película no hace nada por explorar la vida de una queenie teen diabólica con su super amiga anteojuda. Que la verdad sólo existe porque está en wikipedia y que las bandas emergentes hacen pactos con el diablo para ganar fama.


Esta película no la pega ni con las peleas en las cuales en un momento falta que aparezca Jet Lee, sino que pensé que a Megan Fox la iban a enaltecer en la actuación, en algo que no sea mostrar su cuerpo. Ya que me esperaba diálogos muy inteligentes que acá están corrompidos por algún tipo de idiotez donde están sumergidas sus protagonistas.


Igualmente para no cerrar echándole la culpa sólo a la guionista, tengamos en cuenta que la señora que dirige esta película, dirigió también en su pasado Aeon Flux, una película que la hizo pure en menos de una hora y media. ¡Para tener en cuenta!



El espacio teatral es muy distinto, todo el tiempo un mismo espectáculo en cartel puede ser modificado varias veces, no como en el cine que se busca la mejor escena y se imprime.


“Medea” de Eurípides en esta ocasión adaptada por Cristina Banegas y Lucila Pagliai con dirección de Pompeyo Audivert no se queda atrás con este concepto, una obra en que los actores se lucen. Un espacio vacío que se tiene que llenar con palabras y acciones, como también trasmitir sentimientos confusos y encontrados, todo esto acompañado por una pequeña vasija.


La sala Casacuberta del Teatro San Martín es el espacio indicado: el escenario esta en una especie de foso y es ovalado, digno de la tragedia griega, cubierto por una tela que gradualmente se va deslizando hasta que se apagan las luces y empieza la función. Vemos a la Corífera interpretada por Analia Couceiro, misteriosa sobre el espacio ovalado que usa una tiza para marcar lugares. Algunos piensan que es el destino, otros la conciencia… llevando la obra en distintos momentos, marcando tiempos.


Las griegas, el coro, hacen una sola voz, la del pueblo.


Las primeras palabras son duras y van al punto, la Nodriza interpretada por Tina Serrano habla con otro personaje y dice no poder dejar a su ama, la malquerida Medea, ya que esta va a ser desterrada de Corinto, donde se lleva toda la acción.


En los primeros momentos de la obra, Medea interpretada por Benegas, está omnipresente, escondida y hablando de su trágica vida, con la voz fuerte y en alto pone a los espectadores en eje contando todas sus desgracias.


Jason, su esposo se casa con la hija de Creonte, rey de Corinto, quien la quiere desterrar ya que las malas lenguas hablan de ella como una hechicera poderosa y maligna. Solo tendrá un día para vengarse de todos y darle a donde más le duele a su marido: sus hijos.


Ese escenario despojado de cualquier elemento, más que una vasija con una esponja, se sostiene con las voces y las interpretaciones, así también con la extraordinaria puesta de luces realizada por Leandra Rodriguez indicando distintos momentos, pasajes y espacios.


Medea es capaz de todo, hasta la Corifera, una suerte de conciencia, le cuestiona el infanticidio que va a cometer en sus planes siniestros para tratar de truncarle la vida a Jason, quien sólo piensa en su unión como algo superfluo y material concierne el poder.


El espectador palpa por las maravillosas interpretaciones la desgracia de Medea y como ella no quiere cometer este terrible designio del destino, pero también notan el desprecio no sólo de su marido sino del rey, que la trata como una ya desterrada.


Envenenada la hija del rey y el Creonte, se avecina la más cruel de las desdichas; matar a sus dos hijos, sumidos en abrazos llenos de amor pero también de locura impartiendo así una falsa justicia que deja a dos padres sin sus hijos…


La pregunta final es: ¿Ahora quien es más poderoso?


Dirección: Pompeyo Audivert.
Versión: Cristina Banegas, Lucila Pagliai
Actuan: Valentino Alonso, Cristina Banegas, Héctor Bidonde, Susana Brussa, Analía Couceyro, Pochi Ducasse, Daniel Fanego, Omar Fantini, Martín Kahan, Coni Marino, Armenia Martínez, Sandro Nunziatta, Luciano Ruiz, Verónica Santangelo, Tina Serrano
Teatro San Martín, Corrientes 1530.
De miércoles a domingos, a las 20.
Entradas $40 / Estudiantes y jubilados $25




Esta parece ser la comedia romántica ¿de lo qué queda de este año? Puede que si. Recientemente estenada en USA y antes pasada por el filtro del Sundace Festival (500) days of summer, dirigida por Marc Webb, al parecer no es una historia de amor, sino todo lo contrario.

Protagonizada por Zooey Deschanel, recordada por su papel en "Yes man" y Joseph Gordon-Levitt (a mi parecer el hermano no reconocido pero idéntico a Heath Ledger).

Quizás me puse ¿amorosa? Pero bueno, tengo que tenerle algo de fé a lo romántico después de ver Blueberry Nights

El director Wong Kar-Wai no nos muestra algo más que una básica y triste historia de desamor entrelazado con amor.


“¿Cómo despedirse de alguien con el cual no podes vivir sin el?” pregunta la protagonista.


Jeremy (Jude Law) y Lizzie (Norah Jones) son los intérpretes de estas noches purpuras. Todo empieza con una ruptura de pareja, “si alguien pregunta por mí, dale estas llaves” Lizzy se va, enojada, enfurecida no solo con ella y su mal paso en el amor, sino también con el mismísimo planeta tierra.


A Norah Jones no le sale el papel de compungida, y menos que menos el de mujer golpeada que arregla la situación minimizándola y pasándola por alto al decir: “pero el no le salió tan fácil con la patada en las pelotas”.


Lizzy se va de viaje, para “purificarse” de algún modo. Encuentra nuevas aventuras, pero nunca se olvida de Jeremy.


Con este viaje el director quiere mostrarnos otro tipos de amor que existen pero no resulta, ya que cuando va a Seattle la historia de amor esquizofrénico que tiene Arnie con su mujer simplemente roza a Lizzy. Al irse a Las Vegas expone otro amor: el paternal, con la jugadora conpulsiva de Natalie Portman, que también se disuelve como azúcar en agua.


Wong Kar-Wai trata de buscar ese amor idílico, con mil vueltas ya que con esta película buscaba insertarse en el mercado norteamericano. El film es demasiado cuadrado y el desarrollo, con los viajes, tiene una consistencia laxa.


La mezcla continua entre la mirada de la cámara, corrompida, por vidrios y luces fuertes no hace de eso una marca estética personal, sino una mala jugada artística. A veces también directamente expone al espectador a una cámara que filma en menos cuadros de lo normal haciendo el film aun más ridículo de lo que es: un gran cocoliche dramático.


Toda la película pende de un hilo, finamente hilado. Un ejemplo claro es la “simbiosis” que tienen los protagonistas cuando a los dos, por distintas razones, les sangra la nariz.


Fatídicamente no sólo tenemos que aguantar a Norah Jones actuando (que o hace bastante mal) sino por lo menos a lo último la escuchamos cantar (que eso lo hace muy bien).


The Bluberry Nights es para pegarle un tortazo de arandanos en la cara a su director…


Ya no es novedad la capacidad para sorprender de Trillo, que en esta oportunidad nos trae un relato sobre la dictadura y sus secuelas. Sumémosle además una desaparecida que vuelve buscando venganza y una malvada muñeca que parece cobrar vida, para obtener una historia oscura como pocas, que nos cuenta a través de flashbacks y alucinaciones varias el pasado siniestro y manchado de sangre de la familia Guastavino.


Se nos presenta a un antihéroe tremendo, Elvio Gustavino, hijo de un coronel torturador de la dictadura que marco a fuego su pasado y el de varias otras personas. Elvio es un hombrecillo gris e imperceptible, mediocre empleado de un ministerio, que vive con una madre en silla de ruedas a la que descuida hasta los límites del asco solo para ahorrar dinero y conseguir la muñeca que es objeto de su obsesión. Cuando ella parece cobrar vida, solo habla para sacar lo peor de este perturbado hombre, quecarga con un legado muy difícil de llevar.


La narración, no apta para impresionables, es merito también de Lucas Varela , uno de los mejores dibujantes de su generación, que logra plasmar detalladamente la constante opresión y crudeza que se respiran en esta historia.


Esta novela fue publicada en Francia bajo el titulo de L’héritage du colonel (Delcourt, 2008) y en Argentina, donde se la publico en la nueva etapa de la Fierro entre agosto de 2007 y Abril de 2008, recopilada luego en un tomo por Random House Mondadori.


El Síndrome Guastavino es una verdadera joya, una señora novela que se transformo casi instantáneamente en un nuevo clásico de la historieta argentina.

George Grosz (1893-1959) pintor y dibujante Alemán.


Pimps of Death



The Guilty One Remains Unknows



Life Of a Socialist
El otro día, paseando por inet, encontre algo muy interesante para la gente que quiere hacer sus propios fondos.

Un generador de fondos con rayas ( http://www.stripegenerator.com )
Y otro generador de estampados ( http://www.tartanmaker.com )

Ambos muy buenos y fáciles de usar!

Enjoy!

Marcos Aguinis tiene un poder enigmático en mi lectura últimamente. Me hace no querer dejar de leerlo. A medida que pasan las hojas y se desvive por describir las cosas con una precisión de un cirujano… avanza a pasos agigantados.


Aguinis siempre recorre el doloroso camino del judío convertido. Como fue que termino siendo católico, por castigo o por amor algunas veces. El ser perseguido no sólo por su pensamiento sino que también pertenecer a otra religión. Un ser que va a recorrer tortuosamente la vida.


No sólo en sus libros se está permitido hablar distintos cultos, sino de política, el estatus social y también la mujer, en algunos casos, como una tapada y silenciosa ama de casa o como una gran luchadora de sus ideales hasta algunos finales trágicos.


Sus personajes no son variados, ya que en su mayoría todos poseen el mismo trasfondo siniestro, aunque hacen que la historia se enriquezca y se entremezcle con esa Argentina que se describe en cada libro.


“La matriz del infierno” es un libro que cuenta la historia de 3 personas: Rolf, Edith y Alberto. Ambientado en la Argentina de los años ‘30s, que tristemente empezó a gestar nazis. Separado por un “libro uno” y un “libro dos” donde están los años más dolorosos para los tres. En el primero se puede vislumbrar la inclinación de Rolf por la Alemania de esos momentos y su ira contenida con un padre alcohólico que le pega a su madre como si fuera una cualquiera.


Edith, una princesa, que pinta y hace retratos. Con una descendencia judía que en los años 30’s se va a desarrollar de manera exacerbaba contra las patotas nazis que reinaban en el momento. Mientras que Alberto y su familia esta enredada en la tumultuosa política que saca y pone distintos presidentes figurativos o no.


“La matriz del infierno” es un libro para recomendar, tanto por su trasfondo histórico como las tres historias entrelazas, de amor, odio y desengaño. Alberto, Rolf y Edith pasaran por sus vidas para quedarse y preguntarse ¿La gente puede ser tan cruel?



"La matriz del infierno" - Marcos Aguinis
497 páginas
ISBN:
978-950-49-1648-2

Señores y Señoras, con Uds. el trailer de Freddy.
Como ya dijimos en "Vuelve freddy en el 2010" va a dirigirla Samuel Bayer y quien se va a poner en ese sweater bicolor tan bonito que recordamos es el actor Jackie Earle Haley.

Empieza el 7mo Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA) desde el 5 al 18 de octubre, organizado por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires y con la dirección de Alberto Ligaluppi y Rubén Szuchmacher.


Este evento se hace cada dos años y reúne no sólo propuestas teatrales de toda la Argentina sino de diferentes países como: Francia, Hong Kong, Polonia y Mozambique entre otros. La entrada a nivel nacional es de $3,00 pero la que concierne a los espectáculos internacionales son un poco más caras, $40,00.


Punto de encuentro – Harrods (Florida 877):

No solo vamos a tener teatro, sino que también danza, artes visuales y música. Asi mismo en Harrods a la noche se escuchara música en el espacio “Pequeña Música Nocturna” que empieza el martes 6 a las 23:30Hs con el violinista Sami Abadi.


A su vez habrá otras actividades en el punto de encuentro como el “Happy Hour” donde los espectadores se podrán entremezclar con los artistas de todas las nacionalidades. Esta actividad contara con traductores que podrán vencer la brecha del idioma desde las 17:00 a las 19:00hs.


La “Cámara Hamlet” será un área donde se desarrollara un ciclo de cine, con su apertura el día 8 hasta el 18 de octubre, cierre del festival.


Otras actividades:

También se fomentara la crítica en “Ojos de mundo: Teatro” donde se invita a participar a alumnos del nivel medio y terciario del Gobiernos de la Ciudad. Será un momento para la reflexión y más que nada la producción de textos periodísticos.


Los talleres con artistas nacionales como internacionales actuales se van a hacer en distintas sedes y se tiene tiempo de inscribirse hasta el 25 de septiembre a esta dirección: talleresfiba@festivales.gob.ar


Otra manera de experimentar el lenguaje va a ser en el espacio “Babel, la biblioteca” donde la sonoridad de las palabras va a ser el centro de todo. Las obras, conocidas en su mayoría en la Argentina, van a ser leídas en su idioma original y empezaran el martes 6 de octubre en la Biblioteca Ricardo Güemes.


Hasta ahora las entradas agotadas son de espectáculos nacionales y unos pocos de otras nacionalidades. Las funciones se están reprogramando y dentro de unos días saldrían en el site del festival (http://www.festivaldeteatroba.gob.ar)

Estoy totalmente más que indignada.

Buscando información de Halloween II, dirigida por el querido Rob Zombie, no sólo veo que ya salió el 28 de agosto en USA (que eso ya lo sabía) sino que cuando mis ojos siguen el listado de entrenos y ven mi país, Argentina donde vivo, dice el 7 de enero de 2010.

¿Qué onda con esto de estrenarla 6 meses después?

Mi conclusión: los de las distribuidoras o son muy idiotas o prefieren simplemente que una horda de gente la consiga por medios no muy legales y que cuando se estrene en el cine, como cuando se estreno el pack grindhouse, nadie... pero nadie, la vaya a ver!

¿Por qué no la estrenan en Halloween?

Pregunta ¿Cuándo se estrena en otros países?

Pista: en Brasil se estrena el 15 de enero 2010 ¿Se cagan en Sudamérica?

Imparable la indignación.

Les dejo el tráiler





Nunca vi una pelicula tan extraordinaria como Carnival Of Souls, nada lo supera.
Es de Herk Harvey. Una joya del cine clase B.
Acá les dejo el trailer para que pispeen
Veanla!

"Ayuno de Amor" (His Girl Friday, 1940) una película del maravilloso Howard Hawks, con Cary Grant y Rosalind Russell, Ralph Bellamy y Gene Lockart.


Howard Hawks un hombre/maquina que no paraba de hacer films en todos los géneros en los cuales el se sintiera muy cómodo. No sólo es un icono de la comedia americana, sino también es un cineasta fundamental del western con “Río Rojo” o bien en el cine bélico/aventura.


En esta comedia explota el género llamado screwball comedy con sus diálogos rapidísimos que se pisan entre si y a uno le cuesta seguirle el ritmo (over lap), se cuenta de una manera particular el amor incondicional con una manera particular y queriendo hacer que las transiciones no le sea desconocidas y molestas al ojo humano. Travellings fuertes, aunque en el cine clásico norteamericano no se movía mucho la cámara.


Un hombre Walter Burns (Cary Grant) de los medios con una periodista sagaz Hildy Johnson (Rosalind Russell), casados y separados por decisiones erróneas. El profesionalismo todo lo puede, y es de ese modo se crean los lazos que nunca se rompen. No son lo que se dicen moralmente correctos, pero tampoco son una pareja desigual.


Hildy entre buscar su divorcio, ya que al día siguiente se va a casar con su prometido Bruce Baldwin (Ralph Bellamy), también busca la igualdad de la mujer y no le importa taclear a alguien para tener un poco de información en una noticia que revolucionaria al mundo.


No se presenta un futuro, sino que se plantea únicamente el presente, obviamente esto quiere decir que no hay bebes a la vista. Sino la maternidad la sacaría de todo este esplendor que solamente tuvo en un día de trabajo.


Todo el día Walter pone distintas trabas en este nuevo amor. Lo manda a prisión varias veces con algunas de sus secuaces y Hildy no para de trabajar, aunque sabe que esto le traerá un gran dolor de cabeza.


Las instituciones son, para Hawks, desde que aquel condenado a muerte, casado, se ve envuelto en una trampa mortal, que no solo es el problemita que tiene con el comisionado sino con estar casado felizmente.


Nada es lento en esta película, todo va muy rápido, ver a Walter, ponerlo preso a Bruce, y no solo eso, bastardear de alguna manera a su madre, quien les tenía que dar el apoyo para casarse... imaginense que paso.


Hildy… como diría la canción “al final, la vida sigue igual”.



Después de una década de no hacer otra cosa que dedicarse a dirigir las adaptaciones de Spiderman, Sam Raimi vuelve a su genero favorito, en esta oportunidad con una película escrita junto con su hermano Ivan, hablamos de Drag me to Hell.

Los hermanos Raimi empezaron a concebir la idea original de esta peli hace casi 10 años, entro a producción con el nombre The Curse.


La idea original era contar una moraleja sobre alguien que quiere ser una buena persona, pero debido a una mala decisión , terminan pagando por el precio de su codicia. Cabe destacar también que toma varios elemento de una película inglesa de finales de los 50, llamada Night of the Demon.

A diferencia de sus films anteriores, en esta oportunidad los hermanos Raimi querían hacer una película apta para una audiencia mas amplia, y no llevada exclusivamente por el gore.

Apenas termino el primer boceto del guión, Raimi quiso empezar a filmarla, pero fue en ese momento que firmo para dirigir las adaptaciones del hombre arácnido, pudiendo retomar el proyecto recién a finales de 2007.

Sorprende bastante ver una peli de Raimi con los avances tecnicos de estos días (olvidemosnos de las de Spiderman, que aunque dignas -destacándose la primera- no son para nada representativas de lo que puede dar Raimi como director). Y aunque nos da casi todo lo que esperamos de ella, digo con esto una historia sencilla, unos personajes estereotipados pero resultones y todos los cliches del director -infaltables los espectros voladores que salen de la nada y atacan locamente, la cámara en primera persona y la violencia que sangra pero no duele- pero falla en algo fundamental: es exasperantemente predecible.

Y eso pesa en cualquier película, sea de genero o no y perjudica notablemente a esta obra, que Raimi nos sirve masticada tragada y digerida, pero conservando esos detalles de los que gustan tanto sus fanáticos y que lo convirtieron en el director de culto que es hoy día.


Alicia empezaba a sentirse muy aburrida de estar sentada junto a su hermana a la orilla del río, y de no tener nada que hacer. Había curioseado una o dos veces en el libro que su hermana leía, pero éste no tenía ilustraciones ni diálogos, y "¿para qué sirve un libro sin ilustraciones ni diálogos?", Penso Alicia.

De manera que estaba considerando ( lo mejor que podía, porque el día caluroso la tenía muy somnolienta y atontada) si el placer de tejer una guirnalda de margaritas valdría la molestia de levantarse y recoger las flores, cuando súbitamente pasócorriendo a su lado un Conejo Blanco de ojos rosados.

No había nada excesivamente extraordinario en eso. Ni Alicia consideró excesivamente extraordinario oír que el Conejo se decía:
-¡Ay, Dios mío! ¡Ay dios mío! ¡Llegaré demaciado tarde!
(Cuando pensó que el asunto tiempo después, a Alicia se le ocurrió que debería haberse maravillado; sin embargo, en aquel momento todo le resultó perfectamente natural.) Pero cuando el Conejo realmente sacó un relos del bolsillo de su chaleco, miró la hora y apuró la carrera, Alicia se levantó de un salto, por que comprendió de pronto que nunca había visto un conejo con chaleco, ni con un reloj para sacar del bolsillo del chaleco; y ardiendo de curiosidad, corrió tras él a través del campo, justo a tiempo para verlo desaparecer en una gran conejera bajo el cerco.

Alicia lo siguió en un instante, sin detenerse un momento a considerar cómo iba a arreglarse para salir de allí.


Maira Syrjanieme Nurmi nace el 21 de diciembre de 1920 en Finlandia. Esta mujer, en al fiesta anual de disfraces, se caracteriza de alguna manera de Morticia Addams con algunos obvios toques personales.

El atuendo que uso fue
un vestido negro que llegaba hasta el piso, con un escote pronunciado, una peluca negra y sus cejas muy acentuadas. Fue esa noche, donde Vampira, se dio a conocer al mundo.

Esta mujer, imponente, con o sin disfraz, se convirtió en la primera “horror hostess” de la televisión. En su programa aparecía entre la niebla gritando, con un tono de
voz sugerente dice: “me relajo gritando, mi nombre es Vampira y espero que hayan tenido la fortuna de tener una semana terrible” dándole comienzo al show.

El programa no sólo se pasaba
a la media noche por su alto contenido “terrorífico” (aunque todas las películas eran de muy baja calidad) sino que también contaba con un Streptease de la femme fatale, una de las causas mayores para sacarlo del aire.
Vampira, al conseguir tanto reconocimiento, no solo por el publico sino también por sus pares artistas,
logra conocer a James Dean. Según sus declaraciones entre ella y él había una terrible “afinidad psíquica”.


Mientras que Dean dejaba muy en claro que el solamente tenia un interés por saber si ella tenia o no poderes, pero sentencio que solo usaba su figura para aparentar y que “no sabia NADA”.

Después sabemos lo que paso con él, un 30 de septiembre de 1955, cuando ocurrió ese terrible accidente que lo catapultaría, sin tantas películas, a ser un icono y una leyenda del rebelde sin causa.

Por estas raras circunstancias donde se conocieron sus idas y vueltas, Maira se vio abatida por la noticia, pero no sólo le pasaría esto sino que también algunas personas y la prensa amarilla la condenarian por al muerte de Dean. Según las malas lenguas, ella le había proporcionado una maldición y las fans de Dean no paraban de echarle la culpa por su trágica muerte.

Así Vampira se fue apagando… lentamente, fue olvidada.

Hasta que una noche, conoció en un restaurante a Ed Wood. Termina protagonizando películas de clase Z, icono de “Plan 9 from outer space”por ejemplo. Después de esto, quiso tomar de nuevo el puesto de la Hottes Horror, pero en su lugar había desembarcado Elvira.

Hubo un litigio judicial muy fuerte entre estos dos personajes, pero finalmente Vampira perdió, sin que Elvira reconozca que había “tomado prestado” por unos cuentos años el formato del programa de Vampira.

Y otra vez… Vampira se desvanecía en el tiempo, como un castillito de arena…

Sus días los paso en Hollywood y mediante una página web donde vendía artículos sobre Vampira, se mantenía en contacto con los fans.

El último día de su vida fue el 10 de enero de 2008.


Chau Vampira, te vamos a extrañar…

Estoy podrida de que me digan “no sabes, Let the right one in… la mejor película de terror que vi en años”. Bueno, si la mejor película de terror fue esta, como habrá sido la peor. No es por nada, pero me pareció una propuesta interesantísima del lado del drama. El terror es una simple excusa para mostrar otras líneas narrativas que hay en el film; como el abuso, la soledad, la incomunicación.

Aprendí que ya no existe un género puro y que todo se entremezcla. A veces por dos o cuatro muertes se llama “terror” a algo que se la pasa siendo un drama. También que los suecos son personas muy tranquilas, pero que cuando se enojan se pudre todo.

"Let The Right One In"(su titulo en ingles, como se darán cuenta) esta dirigida por un sueco, que en esta cinta muestra que en este tipo de películas pueden abundar los planos vacíos, llamado
Thomas Alfredson. Lo que da a contar es básicamente una historia de amor. Oskar se enamora de Eli, de la misma edad que él, que solo sale por las noches a hablar. Obviamente no es ninguna extrañes que Eli sea vampiro.

Oskar un niño, que en sus
primeros minutos de película, no se sabe si esta desquiciado o prepara una matanza. “chilla cerdo” dice en susurros mientras que juega con un cuchillo y mira por la ventana como un señor y al parecer una niña se bajan de un auto en la mitad de la noche.

Después
descubriremos que vive en una triste realidad casi apartado por un grupo de chicos que lo tiene al mal traer.


Los ambientes se hacen pesados, de vez en cuando todo es demasiado blanco, aunque este represente todo los colores, el espectador se estremece al darse cuenta del vacío que esto implica. Vació que sienten los personajes.

Las escenas que están emparentadas con
el terror están muy bien logradas, vuelan brazos y cabezas y la gente se prende fuego con facilidad. Muy lindo a la vista.


Hasta ahora, lo mejor que vi de terror fue Francés y eso no me lo saca nadie de la cabeza. Obviamente, de
esta peli ya tendrán noticias en USA por que… adivina adivinador que van a hacer?... y si! Una remake (como con REC) pero le van a poner alguien para dirigir un poco más decente, el director de Cloverfield.

Igualmente los Yankees, por alguna extraña razón de egocentrismo puro, quieren que tenga el sello personal, quizás en alguna escena aparezca una bandera, por que siempre tiene que reafirmar su patriotismo. Pero bueno, eso es para otro post que algún día me dedicare a hacer.

Esta demás decir que cuando se estreno en USA tuvo
criticas excelentes mientras que Crepúsculo (estrenadas al mismo tiempo) tuvo unas criticas un tanto paupérrimas.

Esta claro que son dos películas totalmente distintas, una con
un ambiente lúgubre muy bien logrado y la otra con dos pibes caletones.

Las malas lenguas, o mejor,
los ojos que leyeron el libro están sumamente… ¿decepcionados? con la película, ya que se pasa un par de historias y también reniegan que en todos esos planos vacíos cuando hay acciones, la película se apura y termina contando la mitad de las cosas.

A no olvidarse jamás, la regla que todo lo cambia y todo lo trasforma, la pequeña palabra “basada” es la keyword. Esto significa que se toman partes del libro, no la totalidad de el. De esta manera nos meten cada perro extraordinario y a veces cuando se lee el libro y después la película uno se siente profundamente estafado.

Parece ser que en Argentina
ya esta confirmada el estreno de esta película, pero jamás me voy a olvidar, que después del Festival de Cine Independiente dijeron “si, van a estrenar Elephant” y tardaron un año. Esta de más decir que la película duro una semana en cartel aunque tuviera las criticas más increíbles y fabulosas del mundo.

Espero que eso no pase con esta, aunque lo más probable sea que si.
La gente no se banca tantos planos vacíos y tanta elevación intelectual. Se nos acostumbro a un cine plano, chato y que si es terror, lo más probable, es que sea una porquería.




Dirección: Tomas Alfredson.
País: Suecia.
Año: 2008.
Interpretación: Kåre Hedebrant (Oskar), Lina Leandersson (Eli), Per Ragnar (Håkan), Henrik Dahl (Erik), Karin Bergquist (Yvonne), Peter Carlberg (Lacke), Ika Nord (Virginia), Mikael Rahm (Jocke), Anders T. Peedu (Morgan), Pale Olofsson (Larry).
Guión: John Ajvide Lindqvist; basado en su novela.
Producción: John Nordling y Carl Molinder.

Ya salieron los teasers de la nueva versión del clásico de Lewis Carrol, "Alicia en el País de las Maravillas", esta vez dirigida por Tim Burton.

Hace algunas semanas se habían presentado las primeras imagenes y diseños, mostrando un arte muy elaborado y con el inconfundible toque de Tim. Se estrena en USA el 5 de marzo del 2010.

Seguramente estaremos viendo mas adelantos en los próximo meses. Espero que Burton se aguante las ganas de llenar todo de espirales tenebrosos y no oscurezca de mas el ya de por si oscuro cuentito.

Les dejo unas declaraciones de Tim Burton sobre la peli:

"Es una mezcla distorsionada entre una película live action y animación, no puedo compararla con nada, porque no estoy muy seguro sobre como definirla, es un territorio nuevo para mi..."

Miedo.

Uf, como dice el titulo, vuelve Freddy en el 2010. Si, así como lo leen. En Hollywood al parecer no se les caen ideas copadas y bueno tiene que recurrir a... resucitar muertos (nunca mejor dicho).

En esta nueva cinta
, después de 20 años desde su máximo esplendor, Freddy Kruger va a ser interpretado por Jackie Earle Haley (recuerdenlo en la piel de Rorschach en Watchman). Oh la la, que sorpresa! No estará más nuestro querido Robert Englund, lo vamos a extrañar.

Esperemos lo mejor,
a Jason no le fue tan mal con su última película. Aunque empieza muy arriba y termina ahí. Con respecto a esto, todavía no esta muy en claro cual va a ser la historia pero se dicen que no va a ser una remake.

El estreno de este experimento va a ser el 16 de abril de 2010, vayan anotandoselo, no sea cosa que se lo olviden eh!

Acá les dejo el poster, nada revelador.

Título: A Nightmare on Elm Street.
País: USA.
Productora: New Line Cinema (Warner Bros. Pictures).
Director: Samuel Bayer.
Guión: Wesley Strick.
Reparto: Jackie Earle Haley, Rooney Mara, Kyle Gallner, Thomas Dekker,Kellan Lutz.

Es sin lugar a duda, uno de lo autores mas interesantes de la ultima década, hablamos de Daniel Clowes, uno de los mejores exponentes de la escena del comic alternativo norteamericana.

Nacido en Chicago en 1961, estudio Arte en el Pratt Institute de Brooklyn, New York. Una vez graduado intento infructuosamente conseguir trabajo como ilustrador, con resultados poco alentadores en un principio.

Empezó a hacer sus contribuciones al mundo del cómic a finales de los setentas en publicaciones independientes y underground, pero sus primer trabajo como profesional fue una colaboración en la revista Love & Rockets, el titulo mas destacada de la editorial Fantagraphics, y máximo ejemplo del cómic independiente norteamericano en aquel entonces (1985).

A partir de ese momento, empezó a realizar una serie de historias cortas de un personaje propio, llamado Lloyd Llewellyn. Este era un detective incompetente, mujeriego y peleador, rodeado de una estética muy años cincuenta con toques de film noir, de la que el autor se declara fanático.

Clowes llego a publicar seis números sobre este personaje, con los que se fogueo lo suficiente como para dar el siguiente paso, una publicación con historias solo de su autoria, llamada Eigtball, la cual empezo a publicar en 1989.

Es en esta revista donde presenta su particularisima manera de ver al mundo y a algunos de sus mas entrañables personajes, como Enid y Rebecca, ambas protagonistas de Ghost World, Dan Pussey el dibujante de cómic frustrado y también David Boring.

Publico aquí no solo historias cortas, sino también relatos mas extensos, que serian posteriormente recopilados como novelas grafías.

Los personajes de Clowes se destacan por ser muy creíbles, no solo por como actúan o se relacionan en sus respectivos contextos, sino por la sensaciones que transmiten. Parecen perdidos en un mundo que los inunda constantemente con estímulos sexuales y bienes de consumo. Es esta soledad o aislación que experimentan lo que los hace más humanos, y queribles para sus lectores.

En 2001, la MGM llevo al cine una adaptación de Ghost World, una de sus mas populares historias, dirigida por Terry Zwigoff y protagonizada por Scarlett Johansson y Thora Birch . Esta fue su primera colaboración con Zwigoff, que también dirigió otra de sus adaptaciones, Art School Confidential, en el año 2006.

Se destaca también como ilustrador para varias publicaciones, diseño de logos y afiches cinematográficos e incluso como animador (se encargo del video “I don’t wanna grow up” de The Ramones).

Este artista es un importantísimo referente del cómic alternativo, además de ser uno los autores que ayudo a que este genero creciera en popularidad, ganando en el camino al favor no solo de sus lectores, sino también de la critica y de muchos académicos.

Me gustan las películas francesas por que muestran a las mujeres pudiendo aguantar las peores cosas.


Lesbianas locas que quieren matarte, Perdidas de bebés y venganzas con tijeras y por que no!... un sinfín de torturas sólo para contarle a un grupo de aristócratas locos que corno se ve en el mas allá.


Martyrs es una película dirigida por Pascal Laugier. Últimamente los amores franceses con la cinematografía se han vuelto un tanto retorcidos y sanguinarios, llenos de gore.


Sabemos que nos enfrentamos a ver dos féminas luchando, una por vivir y la otra por matarla. En este caso, las protagonistas son amigas desde la infancia. Pero una relegada a cumplirle los deseos a la otra.


Lucie, entre un montaje hermoso de planos cortos y largos sale corriendo, sale gritando de una fabrica abandona, sucia, golpeada y aterrada. La fábrica del horror se cierra … pero ¿A Lucie no la estarán buscando?


Lucie Lucie Lucie una niña traumatizada, golpeada, tosca y delirante que ve, antes de dormir, siempre una mujer escuálida que la acecha. Es la culpa la que la persigue.


La pequeña Anna al verla siente un sentido de atracción por ella, sin darle importancia a lo loca que esta. Se hacen amigas, pero Anna, que están en este Instituto ya que sufria abusos de parte de su familia, siente que su deber como madreamiga tiene que ser impoluto. Se convierte no sólo en un pilar sino que también en una relegada.


El amor a veces ciega.


Las chicas después de 15 años, se hacen independientes y aun, mas locas. Lucie ya estaba rayada, pero, a los 20 minutos de película da un giro espectacular. Encuentra a los que la torturaron, los ve en un diario como la familia perfecta y moralmente correcta. Esto produce en ella no solo un corto circuito, sino agarrar un escopeta y a buscarlos se ha dicho!


Lucie nunca consigue estar en sus cabales y lleva a su pobre amiga, perdidamente enamorada de ella, a vivir un infierno. No sólo hubo un baño de sangre sino tiros, golpes y rasguños varios.


La casa donde vivían parecía normal, pero… mediante una puertita secreta se podía acceder a una terrible sala de tortura. Ambientada en la oscuridad y con cuadros iluminados donde yacían las mas mártires de todos los tiempos.


¿Qué paso con Lucie y Anna? Pobre de esta última que sufre todo lo que le quedaba de tortura a Lucie.


Todo lo más desquiciado y sangriento que se les venga a la mente es lo que le pasa. En un momento uno se replantea si puede seguir viéndola o pararla por que sabe que todo va a terminar en algo totalmente horrible y inhumano.


Anna, el personaje con el cual el espectador siente empatía, quizás les recorra una pena, una tristeza por como resiste. Todo esto, solo para que un grupo de señores comandado por una señora de alta alcurnia sepan ¿Qué se siente mientras uno muere?


Cuando la vean… cuiden sus estómagos.




Dirección y guión: Pascal Laugier.
Países: Francia y Canadá.
Interpretación: Morjana Alaoui (Anna), Mylène Jampanoï (Lucie), Catherine Bégin (Mademoiselle).
Producción: Richard Grandpierre.

Siguiendo con el tema de la esquizofrenia, parece ser que este fin de semana me embarqué en un loquero donde sólo pasaban películas malas y con enfermedades mentales. Buenísimo, lo que el medico me recomendó.


The Alphabet Killer plantea: Esquizofrenia vs. Realidad, ¿qué es cierto y que no?


La historia, basada en hechos reales, se centra en el personaje de la detective Megan Paige (Eliza Dushku) un poco desquiciadamente obsesiva por un asesinato de una pequeña niña, blonda ella.


La detective se da cuenta como coinciden las letras del apellido y nombre de las victima con el pueblo donde la dejan. Es ahí donde se obsesiona, hasta que empieza a tener visiones variadas con esta criatura que le pide ayuda desde el más allá.


Obviamente, todo esto arruina su vida, su carrera y su futuro matrimonio con otro agente de la policía. Ella en un rapto de “No aguanto más a este cuco que me viene a ver” se corta las venas (y las penas también), queriendo así terminar con esto.


La película con el típico cartelito de “meses después” se sitúa en la nueva vida de la ya no agente de la policía, solo una cuasi “cadete” que esta en la comisaría para ayudar en el papeleo. De repente, hay otro asesinato, ella se impresiona. El ex novio comanda la investigación y deja que ella entre a participar, un gran error.


¡Elementalmente mi querido Watson! Megan vuelve a freakear, pero esta vez se ve con un grupo de locos, obsesivos ellos también, por cosas exactas: los cálculos, las estadísticas.


Su obsesión crece más que antes, hace un cálculo puntual que solamente el 2% de la población tiene una posibilidad de 1 en 1400 de ser una posible victima del serial killer. La historia se vuelve a repetir, pero ahora, cerca del clero todo se mezcla sin encontrarse un culpable.


Los espacios donde se manejan, son casas lúgubres, sin mucha iluminación, condenadas por la muerte. Sino otro espacio recurrente es la luminosa comisaría a donde todo pasa.


La iglesia, tomo un lugar bastante polémico en esta historia, albergando al asesino sin saber de su “Prontuario”.


El homicida, se vuelve protagonista casi al final de la película, donde la detective, totalmente del tomate ya, ve a las victimas por todos lados. Lo más absurdo de este film fue poner a otro actor muy conocido en un papel de poca relevancia, por que enseguida salta la ficha de quien tiene las manos sucias con sangre.


Todos los datos de la investigadora encajan… pero ¿se mezcla su realidad con la del mundo? Nadie lo sabe y tampoco se va a saber jamás quien fue este afamado asesino en serie que asecho en los 70's a los Estados Unidos.



Dirección: Rob Schmidt.
País: USA.

Interpretación: Eliza Dushku (Megan Paige), Cary Elwes (capitán Kenneth Shine), Tim Hutton (Richard Ledge), Tom Malloy (detective Stephen Harper).

Guión: Tom Malloy.
Producción: Aimee Schoof, Isen Robbins, Russ Terlecki y Tom Malloy


En esta película se perdió algo; la astucia, el talento, el guión… la historia y bueno, por eso, a mi criterio, le pusieron “The Lost”.


El film trata de Kevin (Armand Assante) un psiquiatra afamado y que ahora solamente esta volcado a escribir Best Sellers. Él se ve envuelto en un caso no concluido, cuando en una de sus rondas de presentación de su libro se encuentra, no accidentalmente, a Mira (Dina Meyer) la hermana de Jane.


¿Se acuerdan de esa serie tan divina que había llamada “Party Of Five”?, la más pequeña de la afamada serie que duro un par de años es Lacey Chabert, que en esta historia interpreta a Jane.


Esta particular joven goza de una esquizofrenia galopante, al parecer diagnosticada años atrás por Kevin, y se la tiene dopada en una cama blanca, encerrada en un loquero por incendiar toda la propiedad de su ex novio, con la familia adentro, ¡claro esta!


En esta historia, Kevin, se va a tener que enfrentar no sólo con los múltiples espíritus que se alojan en el cuerpo de Jane sino que también con la propia desaparición de su esposa. Donde en una noche, al despertarse, no esta mas junto a el. Los malos recuerdos y la herida abierta sangran todavía.


En cuanto a lo estético no se presenta ninguna novedad, es normal. El cambio de personalidades de Jane se da mediante el color de sus ojos, que la verdad, a veces son mínimos, aparte de su habla.


Todo se estructura como un gran genérico; el hospital psiquiátrico al bode de ser una gran prisión superpoblada de residentes. Los barrotes, los pasillos sin nadie, la cama horrible y siempre tiene que haber un florero que hace 20 días no se cambia el agua. Todo muy dejado.


Hay momentos un tanto desconcertantes, pero es la típica película hecha para televisión. No es que la desmerezca por eso pero suelen ser estándar. Los personajes vienen y van con las distintas regresiones que le practica Kevin a Jane. Algunas veces uno se marea entre tantas personas y tantos eventos, pero siempre se retoma la historia ya que la película es previsible.


Se hace aburrida, sin representarle ningún sacrificio mental, aunque sea el mas pequeño, al espectador.


Se deja ver, pero también si la dejan pasar va a ser mucho mejor.



Dirección: Bryan Goeres.
País: USA/España.

Interpretación: Armand Assante (Kevin), Dina Meyer (Mira) y Lacey Chabert (Jane).

Guión: Dan Dworkin y Jay Beattie.
Producción: Manuel Corbi, Tadeo Villalba hijo.

El otro día buscando cosas locas por la red me tope con un lugar lleno de pdf's para bajar, creo que se puede encontrar cualquier libro que se les ocurra! Checkeen, esta muy buena!



Acá les dejo, para los muy fanaticos y no tantos, que quieran leer sobre los secretos más intimos de Laura Palmer.